Son précédent opus, L’amour fou est sorti en 2012. Elle présente ici son 24e album studio pour lequel elle a fait appel à Erick Benzi pour la réalisation et à La Grande Sophie, Yael Naim, Maissiat et Thierry Stremler pour les collaborations.

Jeune, brune, voix grave et assurée, auteure compositrice d'un premier album dont les dix chansons perforent le cœur comme autant de flèches embrasées. Si elle se défend d'être une femme de son époque, elle est pourtant une femme d'aujourd'hui. Après s'être, un temps, glissée dans les pas de ses ainés, Clara Luciani est désormais en marche pour marquer de son empreinte la nouvelle pop française. Une Sainte-Victoire.

Remarqué aux Transmusicales de Rennes en décembre 2016 avant de remporter le Prix du Printemps de Bourges en avril, le jeune Eddy de Pretto apporte un souffle inédit à la nouvelle scène française. Son premier album, est produit par Kyu Steed & Haze (Booba, PNL, Action Bronson, MHD…). Débarqué de Créteil, il cite aussi bien Frank Ocean, Kanye West que Claude Nougaro parmi ses influences. Il défriche des territoires inconnus où les thèmes et les sonorités qu’il emprunte au rap disputent l’espace aux grands noms de la chanson française. Son verbe sans filtre, âpre et sexuel, convoque la nuit, la fête et la drogue sans aucun artifice. Eddy de Pretto, c'est la chanson française qui fait un pas de côté et le rap français qui n’a désormais plus peur d'être sensible, de redevenir conscient.

Le deuxième album du groupe est un road trip lancé à toute allure, une collection de vignettes où s’entrechoquent réalisme contemporain et onirisme suranné, clins d’œil au cinéma pulp, poésie surréaliste, guitares new wave et scansion rap.

Bruno sait qu’il doit prendre un peu de recul sur – non pas son métier de chanteur – mais sur l’essence de ce dernier. Bruno doit réinventer Bénabar. Artisan dans l’âme, il va prendre son temps, travailler, peaufiner, revenir sans cesse sur le ton, les mots, le propos, se demandant inlassablement, en bon scénariste, où placer la caméra afin de mieux servir l’histoire. Juillet 2017, alignement de planètes. La rencontre, c’est Mark Daumail, âme du groupe Cocoon. Deux hommes a priori pas destinés à se rencontrer, deux univers musicaux théoriquement éloignés : deux tons, deux styles, deux langues. En un dîner, l’affaire était entendue. Beaucoup plus folk, avec cette pointe électro et le son si reconnaissable de Mark, les chansons de Bruno vont trouver un écrin nouveau et une incroyable liberté. Dans Le début de la suite, il est question d’avenir, de positivité, il est aussi question d’aller de l’avant.

Ayant depuis longtemps accédé au statut d’icône, le parrain de la pop française démontre une nouvelle fois sa maîtrise de l’art de la mélodie, associé sur ce projet à Pierre-Dominique Burgaud à l’écriture. Du piano-voix sur Les microsillons à la production résolument moderne de En attendant, en passant par le plus entêtant Tout est pop, cet album est un hymne à la pop par l’un de ses meilleurs ambassadeurs.

L'album est une expression musicale du lien présent entre les deux musiciens, il raconte les histoires personnelles de Ben Harper et Charlie Musselwhite, s'y ajoute l’histoire de la lutte et de la survie Américaine. "Charlie Musselwhite est l’incarnation si rare et sacrée où le passé, le présent et le futur du blues entrent en collision. (...) Il transforme les notes en émotions et nous les fait ressentir comme à la fois si familières et inédites, comme si nous les entendions pour la première fois à chaque écoute. Il est une légende vivante, son jeu à l'harmonica devrait être envoyé dans l'espace à la recherche d'autres formes de vie" nous explique Ben Harper à propos de son collaborateur et ami. Charlie n'est pas moins élogieux au sujet de Ben : "Sur scène ou en studio, travailler avec Ben Harper me procure la même émotion que celle que j'ai éprouvée en travaillant avec les légendes du blues de Chicago à l’époque. (...) Je pense qu'il est honnête de dire que Ben Harper a réinventé les blues d'une manière formidable : jouer moderne tout en préservant la sensation. Je suis honoré et privilégié de participer à ce projet."

Le duo pop fait son grand retour après l’incroyable succès de son premier album, double disque de platine paru en 2013 et porté par le hit Sirens call, suivi d’une tournée de près de 200 dates en France. Avec Neon, Cats On Trees nous livre 10 titres d’une efficacité et d’un charme redoutable, où l’on retrouve l’écriture de mélodies hors pair sur des rythmes pop-électro, la voix féline de Nina et cette mélancolie heureuse qui les distingue.

Sur ce troisième album solo, Jack White entreprend d’étendre sa palette musicale, nous offrant peut-être son travail le plus ambitieux jusqu’ici : un recueil de chansons à la fois intemporelles et indéniablement d’actualité. Il a écrit et composé ces treize titres cloîtré dans un appartement au confort minimal et complètement isolé des distractions du monde extérieur, avec un matériel similaire à celui qu’il pouvait utiliser à 15 ans : un magnétophone quatre pistes, une table de mixage basique et des instrumentations très élémentaires. L’album explore un éventail impressionnant de sonorités : du rock'n'roll grinçant, des nappes électroniques, du funk brut, du protopunk, du hip hop, du gospel, du blues et même des influences country !

D’une créativité rare, Maître Gims relève encore une fois un défi : celui d’avoir composé des morceaux aux univers tous différents les uns des autres. On retrouve incontestablement le talent de l’artiste pour des chansons festives et des mélodies sentimentales, quand d’autres textes font la part belle à une plume plus engagée... et plus sombre. Et pour que la surprise soit totale, Ceinture noire offre des collaborations aussi réussies qu’inattendues... Cet album parait en 3 versions différentes qui contiennent chacune 3 titres exclusifs.

Barbara est une artiste sensible et élégante, proche de ces contemporains tels que Dominique A, Philippe Katerine, Juliette Armanet, Bertrand Belin ou Bertrand Burgalat avec qui elle avait sorti son premier opus. Les deux albums suivants sont sortis sur le prestigieux label 4AD. Barbara est une artiste curieuse qui a aussi réalisé plusieurs créations contemporaines et qui a animé une émission sur France Inter, Cosmic fantaisie. Ce Magnétique se veut pop et solaire, porté par la thématique du rêve.

Cette chanteuse sidérante, véritable tornade de feeling, revisite cette musique désormais ancienne qu’est la soul pour lui redonner vigueur et nerf. Sa voix convoque instantanément la mémoire des divas douloureuses du jazz et de la soul, de Billie Holiday à Amy Winehouse en passant par Nina Simone. Solaire et fragile à la fois, Kim, petite française issue de l’immigration (d’un père anglais et d’une mère immigrée du Ghana à Paris), à 26 ans, est prête et armée pour partager cette évidence : la musique de l’âme a encore tant à dire, et tellement d’extases à offrir.

Le chanteur est parti à la Nouvelle-Orléans enregistrer des compositions avec ses compagnons de route, un brass band New Orleans et le guitariste et coréalisateur de l’album, Freddy Koella (Bob Dylan, Willy DeVille, Odetta, Francis Cabrel, Carla Bruni, KD Lang... ). Des drums qui dansent comme dans un des légendaires enterrements de la Nouvelle-Orléans, des cuivres gorgés de soul, des guitares mêlant tous les blues et tous les folks... Hugh Coltman s’est offert un écrin sublime pour onze chansons dans lesquelles il fait entendre sa voix chaleureuse de routier des sentiments et de grand connaisseur des émotions humaines, toujours indulgent pour l’amoureux du soir, le paumé de l’aube ou le mélancolique du plein soleil... Who’s happy ? demande son album. Personne et chacun, semble-t-il répondre... Un voyage musical et existentiel entre confidences et grand spectacle, entre exploration d’un patrimoine phénoménal et inspiration féconde d’un artiste au sommet de sa créativité.

Inclassable et addictif, le duo rennais plonge l’auditeur dans une atmosphère suave et savante, lascive et enivrante, audacieuse et immédiate.

Ce disque est une reproduction fidèle de ce que le groupe représente, à la fois captivant tant par la musique que par la personnalité des 5 membres sur scène, et sublime au travers des mélodies qui se suivent sans jamais se ressembler où la voix unique de Mark Oliver Everett prend toute sa puissance.

Après une tournée d'un an dans toute la France à l’occasion de ses 40 ans de carrière, le groupe revient avec un album enregistré dans les conditions du live et produit par Mike Fraser (producteur d'AC/DC, Metallica, Aerosmith...). Véritable retour aux sources, les 13 brulots rock qui composent cet opus regroupent tous les ingrédients qui ont fait le succès de Trust : les riffs acérés de Norbert "Nono" Krief mêlés aux textes coups de poing de Bernie Bonvoisin.

En forme et inspiré, Sting renoue ici avec les sonorités reggae pop et caribéennes qui ont fait le succès de certains de ses tubes comme So lonely. Cet opus, intitulé 44/876 (en référence aux indicatifs téléphoniques de l’Angleterre et de la Jamaïque) est un album collaboratif avec le tout aussi incroyable Shaggy.

La nouvelle scène musicale française revisite en 18 chansons le répertoire emblématique d’Yves Simon. Le casting, défini comme "impeccable, sans faute de goût" par Didier Varrod sur France Inter, est composé notamment de Christine and The Queens, Woodkid, Louis Garrel, Soko, Juliette Armanet, Feu ! Chatterton, Lilly Wood & The Prick, Moodoid, François and The Atlas Mountains, Bon Voyage Organisation, Juniore, Flavien Berger...

Madame Monsieur, c’est Emilie Satt et Jean-Karl Lucas. Ils forment un duo sincère et vibrant, une unité de création moderne et puissante. Un an après la sortie remarquée de leur EP Tandem (Smile, Morts ou vifs... ), ils reviennent avec un premier album fort et important porté par le single Mercy. Ce titre, plébiscité par le public, leur a permis de remporter le concours "Destination eurovision" afin de représenter la France pour l'Eurovision 2018.

Projet à la base parallèle de Kim Deal, la légendaire bassiste des Pixies, The Breeders deviendra finalement une formation à part entière à la fin du groupe phare de la scène alternative américaine suite aux ambitions solo grandissantes de Frank Black. Propulsé dans le monde entier grâce à l'entêtant Cannonball, leur second album Last splash deviendra l’un des meilleurs disque des années 90 au succès planétaire. Le quatuor avait retrouvé la scène en 2013 pour célébrer les 20 ans de cet album emblématique et s’était depuis retiré en studio pour travailler sur les titres de ce cinquième album. Pourquoi changer une équipe qui gagne ? Enregistré entre trois studios - Candyland dans le Kentucky avec Mike Montgomery, Electrical Audio à Chicago avec Steve Albini et Greg Norman et Fernwood dans l’Ohio avec Tom Rastikis -, All nerve confirme que la légende est bien vivante avec une énergie rock intacte, des compositions subtiles dont Kim Deal a le secret et sa voix toujours unique.

Album recommandé par Dimitri

2018 sera une année à deux facettes pour Dominique A qui nous propose de suivre les deux fils rouges de sa carrière tel un diptyque. Le premier volet, Toute latitude, enregistré en groupe, fait la part belle au rock, à l'électrique et l’électronique. Il faudra attendre octobre 2018 pour découvrir la suite, La fragilité, et ses mélodies plus acoustiques et intimistes, enregistrée en solo cette fois-ci. Ces deux sensibilités, qui font son ADN depuis 25 ans, Dominique A les exploitera sur la route dès le mois de mars au cours de deux tournées différentes qui devraient trouver un premier écho les 14 et 15 avril à la Philharmonie de Paris, lors d’un week-end exceptionnel consacré à l’artiste.

Avec ce quinzième album studio, l'artiste puise son inspiration tant du côté de Smith & Mighty, formation incontournable de la scène trip hop de Bristol, que du duo dub Sly & Robbie et de Wally Badarou, musicien français polyglotte. Enregistré dans la chambre-studio de Moby à Los Angeles au printemps et à l’été 2017, l’album est une mosaïque explorant les thèmes de la spiritualité, l’individualité et les failles de l’humanité dans lequel Moby revient à ses racines orchestrales soul, trip-hop et gospel.

Monté pour la première fois sur scène en 1993, Olivier Delafosse alias Oldelaf, vit depuis de multiples aventures scéniques, radiophoniques, télévisuelles, discographiques... mais dont le fil rouge est la chanson. Il présente son 3e album solo enregistré aux mythiques studios Ferber et réalisé par Régis Ceccarelli. Cet opus est un hommage à la grande variété française des années 70 et 80, dont les chansons oscillent entre tendresse et humour ; Oldelaf y parlant d’amour, de tolérance, de désir, d’absurdité...

Trois ans après la déferlante Propaganda (2015), album du retour aux sources, le groupe poursuit dans la même veine avec Frankenstein, produit par Fred Duquesne (Mass Hysteria, Ultra Vomit) et masterisé par Ted Jensen (Alice In Chains, Pantera). Toujours fidèle à son ADN, entre Black Sabbath, Rage Against The Machine ou les Stooges, No One Is Innocent sait surprendre avec une formule à l’épreuve du temps : riffs implacables, grooves, hymnes incarnés. Une formule qui les impose encore et toujours dans le cercle restreint des chefs de clans du rock à grosses guitares !

L’une des expériences qui transforme le plus une femme s’avère être également un tabou chez les musiciens : elle peut devenir mère si elle veut, mais surtout qu’elle n’en parle pas dans ses chansons. Alela Diane, auteure-compositrice-interprète acclamée par la critique, s’oppose fermement à cette injonction. Si quelqu’un peut conquérir ce nouveau territoire, c’est bien Alela. Cusp est certes un virage thématique pour l’artiste, mais l’on y retrouve l’écriture précise et la voix cristalline qui ont déjà séduit de nombreux fans dans le monde entier. Cet album, constitué de 11 morceaux, est né en janvier 2016, au cours des trois semaines qu’elle a passées en résidence à Caldera, dans l’Oregon. Au début de ce séjour, Alela se casse l’ongle du pouce en pelletant de la neige, rendant difficile le fingerpicking qui a fait sa renommée. Ayant remarqué un piano à queue dans le lodge principal, elle décide de s’y installer pour composer. En résulte le disque le plus pianistique de sa carrière, alimenté par une énergie qui permet d’affronter la nouveauté et même d’en tomber amoureux.

La chanteuse belge revient avec un album fort et poétique, naviguant entre pop, soul et électro. Des sonorités irrésistibles qui nous font voyager entre l’Europe et les Etats-Unis. Cet opus raconte l’histoire d’un amour d’enfance entre deux idéalistes dont les valeurs se heurtent à la réalité. Lui ne peut rester, il s’exile...

"On s’attend à ce que j’explique ce titre mais cet album aurait tout aussi bien pu s’appeler J’aime pas le piano il s’appelle J’aime pas la chanson parce que j’aime pas non plus la chanson. Ce qui est rigoureusement vrai, mais ne m’empêche pas d’en faire. Même si je n’aime pas écrire, chercher le mot juste au sens exact, la forme, le fond, patin-couffin, gratter pendant des heures du papier à carreaux ou à musique, tâtonner le piano, et chantonner des lalala pas seulement sous la douche. J’ai bien connu une crèmerie qui proposait des produits sublimes dans un coin de Paris et dont la patronne ne mangeait jamais de fromage parce que, disait-elle, elle n’aimait pas ça. Voilà ! Je suis la crémière de la chanson."

"Retirer l’écorce de mes chansons, vous les confier autrement. Les revoir nues & d’un oeil nouveau. Réinventer, toujours réinventer. C’est avec cette volonté que je me suis échappé dans le sud de la France pour concevoir ce disque acoustique, au contact du bois, de la pierre & de la nature. Dans la cave à vin d’une vieille bâtisse, j’ai revisité 12 chansons, sans artifices, au gré du temps, des orages, des sons extérieurs & de l’envie. La guitare sèche, le piano & la voix comme piliers de cette atmosphère acoustique si particulière. Désormais la boucle est bouclée. Ces chansons sont nées il y a plus de 2 ans, elles ont vécu, ont eu plusieurs vies. Les voici aujourd’hui déshabillées de tout, entre vous & moi, comme à l’origine, mais ici, pour se dire adieu." Julien Doré

Entrée en toute insouciance dans l’univers de la chanson, Liz, avec son air angélique, son charme piquant et son humour flingueur, démarre sa carrière l’accordéon en bandoulière, comme chanteuse-comédienne au sein du trio nantais Uztaglote. Avec ce troisième opus, elle nous plonge une nouvelle fois au coeur du sensible au travers d’histoires qui lui appartiennent, celles d’une femme ancrée dans son époque et sa société avec ce don si particulier de rendre l’intime universel. Il est question des liens, que l’on fait ou que l’on défait, de la séparation, de la difficulté d’être parent, de violence physique ou verbale au sein du couple, du choix d’interruption volontaire de grossesse, de recomposition, de reprendre les rênes, de nouvelle chance et de nouveau souffle. Un souffle nouveau, donné également par les arrangements pop-rock alliés aux cordes et au piano qui épousent à merveille les thématiques et donnent aux mots et à la voix cristalline de Liz une nouvelle ampleur.

Akokán est un mot yoruba utilisé à Cuba qui signifie "du cœur", et, en effet, chaque morceau du premier album de ce big band cubain est comme un cadeau qui vient du cœur à l’auditeur. Créé et dirigé par le vocaliste cubain José "Pepito" Gómez, ce collectif est formé des meilleurs musiciens de La Havane et de toutes les générations. Produit par Jacob Plasse et arrangé par Mike Eckroth, sur le label Daptone records, l’opus est une ode au mambo brûlant, et rappelle un son tout droit sorti du Cuba des années 50.